Diana Cepleanu

5 JUN bis1 AUG 2026
Opening – 5 JUN 2026, 18-21 Uhr

Galeria Plan B freut sich, die erste Einzelausstellung von Diana Cepleanu in der Galerie zu präsentieren, die Malerei und Zeichnung aus den 1990er Jahren bis in die Gegenwart umfasst. Begleitend zur Ausstellung bietet der folgende Auszug aus einem Gespräch mit Daria Ghiu einen Einblick in die Reflexionen der Künstlerin über Malerei, Wahrnehmung und die beharrliche Wiederkehr des Bildes.

Wir befinden uns in Ihrem Atelier. Haben Sie im Laufe der Zeit viele Ateliers gewechselt?
Ich habe mir mein Arbeitsgebiet dort geschaffen, wo ich gerade bin. Wo ich bin, dort ist auch das Atelier. Direkt nach dem Studium habe ich meinen Kollegen Pepine geheiratet und fünf Kinder bekommen. Während dieser ganzen Zeit habe ich zu Hause gearbeitet.

Diese tägliche Begegnung mit der Leinwand – war Ihnen das immer wichtig?
Ich richtete mir meinen Arbeitsplatz überall ein: manchmal unter dem Tisch, manchmal auf der Türschwelle. Und ich begann, Porträts meiner Kinder zu malen.

Wie hat sich das, was Sie an der Malerei interessiert, im Laufe der Zeit verändert?
Über das Motiv habe ich nie nachgedacht. An der Kunsthochschule in Bukarest war das Motiv eher ein Vorwand. Die rumänische Schule war vom Modernismus geprägt; die eigentliche Bedeutung lag immer bei den bildnerischen Mitteln. Motive waren für mich zunächst unwichtig, und nach und nach begann ich zu erkennen, dass man überall etwas zum Malen finden kann.
Anfangs suchte ich nach außergewöhnlichen Dingen: nach etwas, das ich in einer Landschaft sah, in einem Gegenstand, nach Objekten im Haus, auf die das Licht auf eine bestimmte Weise fiel oder die auf eine bestimmte Weise angeschnitten waren. Später ging ich umgekehrt vor: Ich betrachtete alles und suchte in allem nach jenem Etwas, das es ausmachte. Ich weiß nicht genau, was es war. Es ist eine Art Beziehung zwischen den Dingen. Daher spielte das Motiv eigentlich keine große Rolle. Aber natürlich gibt es da immer eine Spannung. So sehr man auch die Farbe, die Formen, die abstrakte Seite liebt – irgendwann kommt die Figuration, verführt einen und verzaubert vor allem die anderen. Man kann die Figuration nicht einfach aufgeben. Und so befindet man sich in einer schrecklichen Spannung. Nachdem ich viele Porträts gemalt hatte, war ich sehr unzufrieden. Also versuchte ich, das Porträt gewissermaßen zu zerstören, es zu zersetzen. Und ich glaube, inzwischen gelingt es mir, es loszuwerden. Aber von einer Seite kehrt es immer wieder zurück.

Das ist faszinierend. Obwohl Sie dagegen angekämpft haben, kehrt es zurück, und Sie müssen immer neue Wege finden, es zu zerstören.
Ich zerstöre jede Figuration, die sich mir aufdrängen will. Die Gegenstände wollen etwas von mir – ich weiß nicht, was sie wollen. Die armen Dinge würden eigentlich wohl eher mich fragen, was ich von ihnen wollte. Ich habe sie nie in Ruhe gelassen.

Wann wird etwas in Ihrer Umgebung zu einem Gemälde?
Meine Augen sind so hungrig. Ich sitze hier am Fenster, schaue durch das Fernrohr und sehe einen Baum, der mir gefällt. Sofort sage ich mir: Daraus könnte ich eine wunderbare Skizze machen! Und plötzlich sehe ich noch viele andere Dinge: einen Schornstein, einen weiteren Baum, noch einen Schornstein. Und sie alle beginnen, mich anzuschreien: „Ich auch! Ich auch! Ich auch!“ Wie Schüler, die eine Antwort geben wollen. Das ist ein Hunger des Blicks.

Arbeiten Sie jeden Tag in Ihrem Atelier?
Ich habe überall Ateliers: zu Hause, im Haus meiner Mutter, überall gibt es ein Nest, von dem aus ich, wenn ich ein paar Minuten Zeit habe, etwas tun kann.

Fühlen Sie sich in dem Jahrhundert zu Hause, in das Sie hineingeboren wurden?
Nein, ich habe mich in dem Jahrhundert, in dem ich geboren wurde, nie wiedergefunden. Ich ging auf eine Schule, in der Modernismus die Lektion war. Das 20. Jahrhundert mag ich, aber ich habe nicht viel Verbindung zu ihm. Ich habe immer auf die ältere Kunst geschaut: auf Piero della Francesca, Giotto, Uccello. Manchmal auch auf Watteau. Und dann hatte ich eine große Liebe zu Vermeer. Während des Studiums habe ich Vermeer intensiv betrachtet, weil mir schien, dass sich bei ihm das Abstrakte mit einem sehr starken Realismus verbindet.

Haben Sie Ihre eigene Wahrheit in der Kunst gefunden, oder ist die Suche danach ein fortwährender Rausch?
Der Rausch bleibt. Er hat einen Namen, ich nenne ihn Malerei.
In der Malerei erfinde ich ständig etwas und sage mir, „Das ist Malerei.“ Und dann stellt sich heraus, dass es keine Malerei ist. Ich denke, Malerei ist so etwas wie eine Fata Morgana. Ich weiß nicht, was sie ist, und ich merke immer wieder, dass sie es wahrscheinlich gerade nicht ist. Wir alle tun das. Wir versuchen herauszufinden, was sie ist, zu spüren, was sie ist. Das Einzige, was mich interessiert, ist die Praxis. Das fertige Objekt ist immer etwas Merkwürdiges. Sobald ich ein Werk vollendet habe, ist es tot. Dann beginnt sein Nachleben. Es tritt in den Bereich der Bedeutungen ein. Dort arbeite ich nicht mehr. Ich arbeite irgendwo darunter, in einer Atmosphäre – und dann steigt es hinauf in die Stratosphäre.